Séraphine Louis, tocada por el ángel

Fotograma de la película: Séraphine

¿Se nace artista?.

Podríamos contestar que si, y no tendríamos más que dar un paseo por la historia del arte  para comprobarlo; ésta se encuentra plagada de desgarradoras historias de artistas enfrentados a sus propios demonios : el caso de Vincent Van Gogh, sea tal vez el más conocido de todos, pero podríamos hablar de tantos otros como Modigliani o Séraphine Louis.

Séraphine Louis, también conocida como Séraphine de Senlis, fue una pintora francesa de dramática y difícil existencia. Nació en la localidad de Arsy en el seno de una familia muy humilde; corría el año 1864. Su madre falleció el día que Séraphine cumplía un año y su padre cuando todavía no había cumplido los siete.

Desde su infancia, Séraphine se vio obligada a trabajar como pastora y, desde los diecisiete, como limpiadora en diferentes casas acomodadas de la ciudad de Senlis. 

Las pocas horas que el trabajo le deja libres, Séraphine vive recluida en su modesto domicilio pintando. No tiene formación académica, ni referencias estilísticas. Tampoco nadie conoce sus cuadros, generalmente de motivos vegetales, caracterizados por la intensidad del color.

En 1912 un hecho casual se cruza en la vida de Séraphine Louis. Aquel año el coleccionista de arte alemán Wilhelm Uhde fija su residencia en Senlis, tranquila población cercana a París, y Séraphine Louis comienza a trabajar en su casa como limpiadora.

Wilhelm Uhde, casado con Sonia Delaunay, estaba especialmente interesado en aquel momento por los pintores que él mismo calificaba como "primitivos modernos" como Henri Rousseau (artista al que había dado a conocer en los círculos más avanzados). En cierta ocasión, y sin saber que se trataba de obras pintadas por su propia asistenta, admiró alguno de los cuadros de Séraphine. Tras averiguar quien era su autora, Uhde decidió apoyar el trabajo como pintora de Séraphine Louis. 

Con el comienzo de la primera guerra mundial en  1914  Uhde se ve obligado a huir de Francia. Durante los siguientes cuatro años de guerra y a pesar de las penalidades y la escasez, Séraphine continua pintando. En 1927 con Wilhelm Uhde de nueva en Francia, Séraphine expone en Senlis y comienza a abordar cuadros de gran formato y mayor ambición compositiva.

Definitivamente integrada en el círculo de los "primitivos modernos" que promociona Uhde, en 1929 Séraphine participó en la importante muestra de "Los pintores del corazón sagrado" que tuvo lugar en París. Como consecuencia, la pintora comienza a gozar de un reconocimiento que se materializa en la comercialización de su obra. Por desgracia, Séraphine no administra bien el éxito y dilapida con facilidad estos ingresos. 

La Gran Depresión de 1929 afectó con fuerza a las ventas de las obras de arte. Una de las perjudicadas fue la obra emergente de Séraphine Louis. Quizás como consecuencia de ello, la pintora se vio sumida en un proceso depresivo que la llevó a ingresar en el hospital psiquiátrico de Clermont en enero de 1932. Séraphine Louis no volvió a pintar más.Mientras Séraphine permanece ingresada en el hospital, sus cuadros siguen exponiéndose en muestras colectivas fundamentales de aquellos años como "Los primitivos modernos" de París (1932), "Los maestros populares de la realidad", que la presentó en Nueva York (1937-1938) o "Los primitivos del siglo XX" de París (1942).

Ajena a su éxito internacional, Séraphine Louis murió en el hospital psiquiátrico de Villers-sous-Erquery el 11 de diciembre de 1942. 

"El talento surge en cualquier lugar,  ajeno a condición social, raza o nación; como buscar y expresar  la belleza es un impulso vital y una necesidad para algunos,  de difícil comprensión  para la mayoría".

 

Cartier Bresson - cazador de momentos -

En 1932, con treinta y cuatro años de edad, Henri Cartier-Bresson adquirió una Leica manual y lo que antes no era más que un interés casual se convirtió en una pasión. A lo largo de los tres años siguientes creó uno de los conjuntos de obra más originales e influenciadores en la historia de la fotografía.

“El aparato fotográfico es para mi un cuaderno de croquis, el instrumento de la intuición y de la espontaneidad, el maestro del instante que, en términos visuales, cuestiona y decide al mismo tiempo. Para significar el mundo, es preciso sentirse implicado con lo que se recorta a través del visor. Esta actitud exige concentración, sensibilidad, un sentido de la geometría. Es a través de una economía de medios y sobre todo el olvido de uno mismo como se llega a la simplicidad de la expresión” 

Henri Cartier-Bresson

 Cartier-Bresson nació el 22 de Agosto de 1908 en Chanteloup, Seine-et-Marne, en el seno de una familia que pertenecía a la burguesía Francesa. Ya desde niño comienza a demostrar un gran interés y apreciación por el arte y la estética. Su familia lo apoya en todo momento cuando decide dedicarse a la pintura. Cartier-Bresson atribuye su encuentro con la pintura a su tío, o "padre mítico". Aún recuerda su inicio en el mundo del arte cuando lo llevaron al estudio de su tío contando tan sólo con cinco años, donde comenzó a "impregnarse" de los lienzos. Más tarde cursa sus estudios secundarios en el Lycée Condorcet en París, donde no llega a graduarse. Paralelamente a su educación en el Liceo, estudia pintura de manera independiente con dos maestros diferentes.

 En su adolescencia, se asocia con muchos de los artistas involucrados en el Surrealismo. Este período, después de la primera guerra mundial, estuvo marcado por una desesperación moral y política que ocasionó que los jóvenes intelectuales desdeñaran las pequeñas instituciones de la burguesía y cualquier noción de tradición. 

En 1932, viaja a España e Italia. También en ese mismo año sus primeras fotografías se exponen en Nueva York y posteriormente en el Ateneo de Madrid. En 1934 viaja a México junto a un equipo de fotógrafos -es en este viaje donde realiza la fotografía titulada por él como “La araña del amor”- comprometidos en un proyecto etnográfico patrocinado por el gobierno de este país. Debido a problemas burocráticos el proyecto fracasa, sin embargo Cartier-Bresson decide prolongar su estancia por un año, continuando así con su "captura" de gente y lugares marginales de la sociedad. Expone sus fotografías en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. De allí se muda a la ciudad de Nueva York, en 1935, y expone junto a Walker Evans. Estando en esta ciudad comienza a interesarse por el cine, de la mano de Paul Strand, y durante este período realiza pocas fotografías. 

En 1946, luego de finalizada la guerra, vuelve a los EEUU para completar una exposición en El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Junto a Robert Capa, David Seymour y Georges Rodger funda la primer agencia cooperativa de fotografía del mundo, "Magnum Photos". Para ésta empresa volvió a viajar y enfocó su trabajo en la fotografía de reportaje. Viaja por Oriente: India, Birmania, Pakistán, China e Indonesia entre 1948 y 1950. En 1954 viaja a la URSS y se convierte así en el primer fotógrafo admitido por este país después del "deshielo". En el año 1955, es invitado por el Louvre de París para convertirse en el primer fotógrafo en exponer en este museo. En 1965 vive seis meses en la India y tres en Japón. Henri Cartier-Bresson abandonará en 1966 la agencia Magnum, que sin embargo conserva bajo su custodia los archivos del fotógrafo.

A principio de los años 70 deja a un lado su Leica para concentrarse en la pintura. Henri Cartier-Bresson murió el lunes 2 de agosto de 2004 a los 95 años en el sureste de Francia. 

Puestas una al lado de la otra, las imágenes de Cartier –Bresson componen el álbum de su siglo XX. Éste, a menudo, se convierte en el nuestro porque ponemos nuestros ojos dentro de los suyos. Sus fotografías son tan intensas que, absorbiendo cualquier tema, se transforman en iconos. La cremación de Gandhi, Matisse con turbante, Giacometti cubriéndose la cabeza con el abrigo para cruzar la calle Alésia bajo una fuerte lluvia, Faulkner y su perro, Nueva York transfigurada, la Rusia soviética petrificada en su letargo...

La singular relación que el genio Henri Cartier-Bresson mantiene con el azar permite a menudo captar el propio instante en que la Historia vacila. Los últimos momentos de China antes de Mao, los últimos momentos de la India británica, así como los últimos momentos de grandes personajes de la escena política y literaria, como la última fotografía de Ghandi -asesinado apenas una hora después de posar para él -, o la de Faulkner a punto de morir. Probablemente este sentimiento de un vestigio atrapado en el último minuto antes de la extinción de un mundo es el que nos conmueve. ¿Un mundo desaparecido? No, porque todavía nos sentimos tan cerca que casi podemos tocarlo, identificarnos con sus protagonistas. 

Música: St. Germain.

Bauhaus, arte y diseño

"¡ Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual !(...) ¡Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradia de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas! Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo - a la arquitectura, a la escultura, y a la pintura- en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de  un millón de artesanos, símbolo de una nueva fe que ya llega."

 Walter Gropius.   

La Bauhaus fue fundada en la ciudad alemana de Weimar, en el año 1919 por el arquitecto Walter Gropius. La Bauhaus (que en aleman significa "casa de construcción"), fue la primera escuela en que se enseñó y estudio diseño industrial.

Maestros de la Bauhaus, 1930 (izq. - dcha.): Albers, Scheper, Muche, Moholy-Nagy, Bayer, Schmidt, Gropius, Breuer, Kandinsky, Klee, Feininger, Stolzl, Schlemmer.

El objetivo de Gropius en la Bauhaus fue integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas,  con el fin de obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos. 

La teoría de la Bauhaus sobre la enseñanza del diseño incluía un artista y un técnico en cada estudio de clase. De esta manera, los alumnos usaban su creatividad de forma libre y, simultáneamente aprendían la técnica. Los alumnos practicaban en los talleres por periodos cortos, con el fin de que entendieran la tecnología para la que posteriormente diseñarían.

Los principios fundamentales de la Bauhaus los podemos resumir en los siguientes:

-	Ruptura con lo tradicional y con los estilos preestablecidos.
-	Predominio de la función sobre la forma.
-	Interrelación estrecha entre, por un lado, la arquitectura y el diseño y, por otro, las ciencias aplicadas.
-	Adecuación de la vivienda a los recursos y necesidades humanas.
-	Una efectiva planificación urbana.  Con estos principios básicos se puso en marcha, de manera fundamental, la producción de enseres de uso doméstico y muebles. Los productos resultantes de la Bauhaus se alejaban mucho de la clásica ornamentación excesiva predominante en aquel momento. Por el contrario, poseían líneas limpias y claras, formas geométricas sencillas y, de manera característica, daban la impresión de estar hechas industrialmente y no a mano.  Fue realmente entonces cuando se empezó a hablar de hacer diseños industriales en forma positiva. Se trataba de crear productos que fueran funcionales pero que a la vez presentaran un diseño atractivo para el mercado, manteniendo bajos los costos de producción. Para lograrlo, se empezó a producir con materiales comunes y baratos como el metal, el vidrio, el cristal y la madera, entre otros.  La Bauhaus tuvo serios problemas políticos, fue perseguida por su sistema socialista de enseñanza, sus extravagantes métodos y por albergar alumnos comunistas, por lo cual debió mudar de ciudad varias veces y conseguir apoyos extranjeros. Entre sus maestros destacan Johannes Itten, Josef Albers, László Moholy-Nagy, Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer.   Cuando los nazis llegaron a Dessau en 1932 -y por lo tanto comenzaron a controlar el gobierno local- impidieron que la administración pública siguiera ayudando financieramente a la famosa institución; fue entonces, cuando se traslado a Berlín, en un desesperado intento de mantener la actividad docente; hasta que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933 por las autoridades alemanas nazis. Su cierre se debía a que la Bauhaus era una institución privada considerara socialista, internacionalista y judía, odiada por el gobierno nacionalsocialista.“En la actualidad, la Bauhaus está mucho más presente de lo que la mayoría cree”, asegura Philipp Oswalt, director del organismo que administra el legado de la Escuela en Dessau.

Luces lejanas

Si...hay una frágil tensión
que nos mantiene vivos.

Abrazados, por el magnético viento 
en la noche.
Marcados, bajo el signo 
del olvido.

Arrodillados.

Desposeídos por un dios ausente,
esperamos, el último giro de engranaje 
del sistema que nos empuja al abismo.

Frente a mí: la carretera
que me devuelve a un horizonte nítido e irreal,
como trazado con mecánica precisión.

Lejanas luces.

Dave Graham lo sabia: "hay una frágil tensión".


Valleduart.

El Jardín del Mundo, teatro y compromiso

Dentro de las artes escénicas, tal vez sea el teatro junto al cabaret, las expresiones interpretativas que más han abordado el tema de la denuncia social, acuñandose también para definirlo el término de teatro existencialista.
Fue Jean Paul Sartre , en la Francia de mediados del pasado siglo el creador de esta corriente inspirada en sus doctrinas filosóficas; donde es abordada la naturaleza misma del ser humano y su capacidad de raciocinio y responsabilidad moral en sus actos; dejando a un lado el  recurso al perdón de sus divinidades.

El Jardín del Mundo, es sin duda una de esas obras que podríamos encuadrar dentro de este género del teatro existencialista o de denuncia social. Toda la obra hace hincapié en los aspectos morales y éticos de la tortura; su institucionalización, que por supuesto no es algo del pasado, y como es ejercida, aún hoy día por algunos de los países más poderosos, de una forma velada, cuando no abiertamente consentida y auspiciada por intereses económicos; o amparándose "inexcusablemente" en una supuesta "seguridad mundial".

La obra se encuentra interpretada por la actriz Maite Vallecillo y los actores Francisco Blanco y Esteban G. Ballesteros; bajo la dirección de Memé Tabares. Obteniendo en la presente edición 2010 de los Premios Jara de teatro otorgados en la Comunidad Autónoma de Extremadura los reconocimientos a la mejor obra; mejor interpretación, concedido a Maite Vallecillo; mejor dirección, que fue entregado a Memé Tabares y las nominaciones a mejor actor entre las que se encontraban Francisco Blanco y Esteban G.Ballesteros.

Desde aquí de nuevo, mi felicitación a todos ellos y un saludo.

Valleduart.

Ventana a Cracovia

El paisaje corre rápido en la ventanilla del vagón: una sucesión de pequeños bosques, campos cultivados, y diminutas casas a lo lejos, en un fondo de montañas.
Un gesto y su voz me hicieron volver.
  ¿Qué escuchas?, me pregunta ella.
     Música klezmer.
  ¿Música klezmer?.
     Kroke.
Su gesto de estrañeza desaparece al recordar.
  ¡Ah!... esos violines que hechizan, me contesta reclinandose sobre la pequeña plataforma a modo de mesa que nos separa.
Le paso uno de los auriculares; Halima deja su libro, y por unos momentos compartimos el esquivo paisaje y esta música:



Valleduart.

Renacimiento, afirmación de libertad

La palabra Renacimiento se asocia inmediatamente con el descubrimiento y el resurgir de la entigüedad clásica después del Medievo. Esta fue, en efecto, durante varios siglos, su definición, que hoy parece sin embargo insuficiente e inexacta. Es cierto que en el siglo XV los florentinos creyeron haber resucitado con su arte la antigua belleza y también es verdad que el estudio de la antigüedad fue para muchos de ellos una norma absoluta e indiscutible. Pero si el Renacimiento sólo hubiese sido la recuperación e imitación de un mundo pasado no se habría convertido en ese gran movimiento que convulsionó a toda Europa. En realidad, la civilización renacentista no fue el fruto de un simple aunque ambicioso programa, sino la convergencia de múltiples elementos que llegaron a trascender incluso en quienes no eran sus intérpretes.

El renacido culto a la antigüedad no poseía el valor de una mera predilección estética, sino que procedía de la afirmación, a través de la autoridad de los antiguos, de una concepción laica de la vida. Las reglas de la perspectiva,  que sintetizaban formalmente los nuevos caminos del arte, no eran una simple aplicación de leyes ópticas, sino que traducían las necesidades de mesura y racionalismo que precisaba el hombre para hacer triunfar su orgullosa afirmación de libertad. Un impulso vital  el del Renacimiento que hoy día, parece no tener un equivalente en nuestra sociedad tecnificada.

Yo tampoco te espero

 

¿Problemas de conciencia?

Creo que sobran las palabras

Los pintores de Gilf Kebir

 

 

"Amo el desierto. Amo la infinita extensión de los temblorosos espejismos, el viento, los picos escarpados, las cadenas de dunas como rígidas olas de mar. Y amo la simple, la ruda vida de un campamento primitivo en el frio gélido, a la luz de las estrellas en la noche, y en las calurosas tormentas de arena."
Laszlo Almasy ( 1895-1951)


Sahara Wonderland from zoomion on Vimeo.

Tal vez fue uno de los últimos exploradores "románticos". Los beduinos le llamaron "el Padre de las Arenas".
En 1929, El Conde Laszlo Almasy recorrió 12.000 km a través del Noreste de Africa, Libia, Egipto y Sudán en un viaje que cambió su vida. Redescubrió la antigua ruta de caravanas que conectaba Egipto con el resto de Africa, antigua ruta de esclavos en la que solo los más fuertes sobrevivían, la llamada Ruta de los Cuarenta, pues ese era el número de días que se tardaba en recorrer. Almasy se enamoró de la inmensidad del Sahara durante esa expedición. Cruzando las arenas del desierto en Libia, escuchó de los beduinos antiguas leyendas contadas en las frias noches al calor del fuego. La historia sobre el oasis perdido de Zerzura sedujo a Almasy, se decía que: "Zerzura estaba en algún lugar en el corazón del desierto, custodiado por un pájaro blanco, sólo los hombres más valientes podrían acceder al secreto lugar, que estaba repleto de oro y tesoros y en el que yacía una reina durmiente que sólo podría ser despertada con un beso".

En busca de Zerzura
Exploradores del XIX como Sir John Gardner Wilkinson o Gerhard Rohlfs mencionaron Zerzura en sus escritos, se trataba de una zona situada en medio del desierto, supuestamente entre Libia y Egipto. Los nativos, habitantes de oasis como el de Dachla en Egipto hablaban de los tres valles (wadis) perdidos de Zerzura.

La tecnología de principios del XX hacía más fácil la exploración del desierto, sin embargo, a principios de la decada de los 30, todavía el interior del desierto libio seguía sin ser cartografiado. Almasy, que dominaba seis idiomas incluyendo el árabe se ganó el favor de la corte del rey de Egipto. El Principe Kemal el Din se convirtió en su mecenas en la búsqueda de Zerzura. En 1926 Kemal el Din había realizado una expedición en la que descubrió una enorme meseta de arena y piedra llamada Gilf Kebir. Tras consultar estudios científicos, mapas, documentos históricos y escuchar a los beduinos del desierto, Almasy concluyó que Zerzura debía estar en alguna parte de la inexplorada región del Gilf Kebir, cerca del final de la ruta que partía del oasis Duchla al oasis Kufra.

La Cueva de los Nadadores
Esa zona había sido ya explorada en 1923 por el egipcio by Sir Ahmed Hassanein Bey, que descubrió pinturas rupestres sobre las rocas y que mostraban jirafas y antílopes.

Sin embargo, Almasy descubrió una cueva cuyas paredes estaban repletas de ese tipo de pinturas rupestres, jirafas, antílopes, orix... pero lo sensacional de su descubrimiento fue que pintados en la roca había figuras de hombres nadando. En medio del desierto del Sahara, a pocos kilómetros del Gran Mar de Arena, hace miles de años hubo agua. Este descubrimiento convenció a Almasy que el Sahara no siempre había sido un desierto. Las pinturas fueron una sensación científica y posiblemente el más importante de los descubrimientos de Almasy.

En los años siguientes, Almasy dirigió varias exploraciones más al desierto, especialmente la zona del Gilf Kebir, el Gran Mar de Arena y el Wadi Hauar en Sudán. Mientras, trabajó en Egipto como instructor de vuelo. En 1939, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, tuvo que marcharse de Egipto y regresó a Budapest. Como Capitán en la reserva de las Fuerzas Aéreas Hungaras fue destinado al Afrika Korps de Rommel. Realizó importantes misiones bélicas como gran conocedor del desierto que era. Al final de la guerra fue juzgado por el Tribunal del Pueblo en Budapest como criminal de guerra y resultó absuelto por falta de pruebas.

Hoy en dia, este genuino y en parte, museo al aire libre del arte rupestre que es Gilf  Kebir, sufre el abandono por parte de las administraciones locales e internacionales, así como el acoso del más snob "turismo cultura"   ( sólo el viaje en 4x4 de dos semanas de duración a esta árida zona tiene un valor de 10.000 $) que está convirtiendo, por ejemplo la cueva de los nadadores, en un vertedero de basuras; eso, si dejamos a un lado los bandálicos actos de algunos aburridos soldados al otro lado de la prontera con Libia, que utilizan las pinturas como tiro al blanco.

 "No se pueden imaginar los daños causados", lamenta Rudolph Kuper, arqueólogo aleman que intenta preservar un arte que nació hace 5.000 ó 7.000 años y que atestimonia el pasado climatico de una región; cuando el desierto era una enorme pradera y en ella vivian los pintores de Gilf Kebir.

 

Dentro del circulo

Los nativos americanos crearon un vinculo, una espiritual unión con la naturaleza.Una visión de la realidad que "los hombres venidos del este", no sólo no respetaron sino que en su ignorancia, interpretaron como un signo de inferioridad, cuando no de debilidad.
Que mejores voces y palabras que las de aquellos hombres libres, para describir su forma de vida; transcribo aquí las  de Alce Negro; viejo Jefe Indio.

Alce negro

“Habéis visto que todo lo que hace el indio lo hace en un círculo, y esto es así porque el Poder del Mundo siempre actúa en círculos, y todas las cosas tienden a ser redondas. En los días de antaño, cuando éramos un pueblo fuerte y feliz, todo nuestro poder nos venía del círculo sagrado de la nación, y en tanto el círculo no se rompió, el pueblo floreció. El árbol florido era el centro vivo del círculo, y el círculo de las cuatro direcciones lo nutría. El Este daba la paz y la luz, el Sur daba el calor, el Oeste daba la lluvia, y el Norte con su viento frío y potente, daba la fuerza y la resistencia. Todo lo que hace el poder del mundo se hace en un círculo. El cielo es circular, la tierra también, y las estrellas son redondas; el viento en su fuerza máxima se arremolina, los pájaros hacen sus nidos en forma de círculos. El Sol sale y se pone en un círculo, la Luna hace lo mismo, y ambos son redondos. Incluso las estaciones, con sus cambios, forman un círculo y siempre regresan a donde estaban. La vida del hombre es un círculo de infancia a infancia, y así en todas las cosas en que se mueve el poder.

Nuestros tipis eran circulares como los nidos de los pájaros y estaban siempre dispuestos en círculo, el círculo de la nación, un nido hecho de muchos nidos en el que el Gran Espíritu quería que cobijásemos a nuestros hijos.

Nosotros consideramos a todos los seres creados como algo Sagrado e importante, pues todo tiene un “Wochangi” o influjo, que puede sernos comunicado y mediante el cual podemos obtener un poco más de comprensión si estamos atentos.

Debemos comprender bien que todas las cosas son obra del Gran Espíritu, debemos saber que El está en toda cosa; en los árboles, las hierbas, los ríos, las montañas, los animales, y todos los seres vivos. Y lo que es más importante, debemos comprender que El está también más allá de todas las cosas, y de todos esos seres.

La Paz, entra en las almas de los hombres, cuando ellos se dan cuenta de su relación, su unidad con el Universo, y todos sus poderes, y cuando se dan cuenta de que en el centro del Universo mora el Gran Espíritu, y que este centro está realmente en todas partes, está dentro de cada uno de nosotros”. (Alce Negro).

Mi más sentido homenaje a todos los pueblos y movimientos indígenas, que luchan en la justa defensa de sus derechos.

Valleduart.

Atardecer en Lisboa

Ella inicio el ceremonial 

de nuestra despedida,
los gestos sentidos,
las palabras no olvidadas,
promesas,

besos,

abrazos...

Y en el atardecer,

mi adiós quedó en su 

mirada, como las

largas sombras

tatuadas sobre el muro.

Fue un octubre

en Lisboa.

Valleduart. 

Los números del "Juego"

30.000 Niños mueren al día por enfermedades fáciles de evitar.

El 20 % de la población mundial ostenta  en su poder el 90 % de la riquezas del planeta.

Mas de 1.000 millones de personas malviven con menos de un dolar al día.

Un niño muere cada 6 segundos por causa del hambre.

El salario de la mujer es un 25 % más bajo que el del hombre, realizando la misma actividad que éste.

Aproximadamente 60 millones de personas ,en todo el planeta, se han visto empujadas a la pobreza como consecuencia de esta última crisis.

Y podría seguir añadiendo datos y cifras a esta lista .

Estos son los números de este siniestro "juego" en el que vivimos; estas son las frías cifras tras de las que se encuentra el sufrimiento de seres humanos; vidas anónimas, para las que su existencia se reduce a poder encontrar algo con lo que poder comer.

Consecuencias de un criminal sistema en el que el capital decide quien vive y quien no.

Un sistema en el que nos vemos abocados a una vorágine de competitividad y rapiña sin límites; que son la base del neoliberalismo que sufrimos.

La alienación de la población ; los falsos mensajes de los dirigentes políticos -meras marionetas en manos de las grandes corporaciones mundiales- hacen necesario reclamar los derechos de justicia y de una libertad y democrácias reales; que parecen darse por supuestos en toda sociedad democrática , pero que en la práctica están muy lejos de ese ideal .

El capital es el enemigo; y creo que ya es incuestionable. 

Valleduart.

Frida Kahlo , arte en la adversidad

Nace en el barrio de Coyoacán  el 6 de julio de 1907, en lo que antes eran las afueras de la Ciudad de México. Tercera hija de Guillermo Kahlo y Matilde Calderón, a muy corta edad sufre un ataque de poliomielitis que le afecta la pierna derecha.

Este suceso junto al grave accidente sufrido en 1913, cuando viajaba en autobús, marcaran de forma decisiva su vida.

Fué durante la  convalecencia de este accidente cuando comienza sus primeras obras :  retratos oscuros, en los que podemos apreciar un profundo dolor, y la tragedia enmascarada de fantasía, que ya será una constante en todas  sus posteriores obras.

El encuentro con Diego Rivera en 1927 tras la llegada de éste de Rusia, y el interés demostrado por parte de él hacia la artista y su obra; parecen ser el comienzo de una relación que dará lugar al matrimonio de ambos, dos años más tarde.

Posteriormente la pareja se marcha a Estados Unidos viviendo en San Francisco y Detroit; para establecerse finalmente en Nueva York.
Es en esa ciudad que realiza su obra "My dress hanging there", cuadro que preludia la obra contundente llena de símbolos que realizaría posteriormente. La influencia de los exvotos, lo popular, lo religioso y los símbolos mexicanos sellarían su obra.

En 1934 regresan a México y se instalan en el estudio de la calle de Altavista construido por Juan O'Gorman, en San Ángel. Sufre su segundo aborto, y es operada del pie derecho; el proceso de desfiguración de su cuerpo es constante y eso se refleja en las obras que va realizando. Diego Rivera tiene un romance con su hermana, Cristina Kahlo, hecho que la sume en una depresión tremenda. Se separa de Diego y se marcha sola a Nueva York.

Frida regresa a México para continuar con su obra y es en 1937 cuando León Trotsky y su esposa Natalia llegan a México; Frida va sola a recibirlos al Puerto de Tampico. Se instalan en su casa de Coyoacán, conocida como la Casa Azul. Ese año es uno de los más prolíficos de Frida

El año 1938  llega a México André Breton, con una mirada predispuesta a encontrar el surrealismo en este país, y con Frida no es la excepción; inmediatamente la circunscribe como parte de la esencia del movimiento surrealista y le escribe el ensayo "Un listón de seda alrededor de una bomba". Esta etiqueta de surrealista a la obra de Frida Kahlo, es una de las 'equivocaciones' que se han continuado entre el público masivo con respecto a su clasificación y entendimiento, baste citar sus propias palabras: "...pensaron que yo era surrealista, pero no lo fui. Nunca pinté mis sueños, sólo pinté mi propia realidad".

En 1950 es internada durante nueve meses en un hospital debido a una infección producto del injerto de hueso que le realizan cuatro años atrás en la columna vertebral. Continúa allí con su cuadro "Mi familia" que deja inconcluso. Al año siguiente pinta su "Autorretrato con el Dr. Juan Farill", varias naturalezas muertas, y el "Retrato de mi padre Wilhelm Kahlo".
En 1953 lleva a cabo su única exposición individual en México en la Galería de Arte Contemporáneo dirigida por Lola Alvarez Bravo. Después de muerta vendrían numerosas más.
Es internada para la amputación de la pierna derecha por gangrena. Expone en el British Art Council.
1954, pinta su cuadro "Sandías con leyenda: Viva la vida". Ingresa al hospital dos veces más y convaleciente de bronconeumonía asiste a una marcha en protesta por el golpe de estado contra Guatemala. Once días después, el 13 de julio de 1954 muere Frida Kahlo en su Casa Azul de Coyoacán.
Frida Kahlo, por el destino, creadora de su propio personaje, sujeto de su propia obra, obra que la coloca como una de las artistas pilares del arte mexicano de todos los tiempos.
Tres años después, muere Diego Rivera. La voluntad de Diego era que sus cenizas permanecieran en la misma urna de las de Frida en su casa de Coyoacán, fue contrariado y sus restos se encuentran en La Rotonda de los Hombres Ilustres, en la Ciudad de México.

Puentes dorados

Escapar.

Atravesar campos
y montañas.

Cruzar los dorados
puentes hacia donde
duerme el sol.

Buscar los secretos 
ocultos al otro lado
de la noche
y sentir el reflejo 
del tiempo 
en los espejos
en un silencio
de nube.


No ver las negras
horas clavadas
en sus ojos.

Ser libre siempre
frente al mar.



Valleduart.

Mari Boine Persen , música desde un confin del mundo

La región de Laponia está ubicada al norte de Noruega ; comprende parte de la misma Noruega, Finlandia, Suécia  y Rusia.
En aquella zona, cerca del círculo polar ártico se encuentran las tierras de los Sami.
Aunque algunos los llamen noruegos o suecos, ellos son los originarios habitantes de la región.

Allí vive Mari Boine.Allí lucha por conservar la cultura , la lengua el entorno natural y la música del pueblo Sami.

Mari Boine nació en 1956 en un pueblecito  junto al río Anarjohka en el seno de un familia de pescadores de salmón.Creció en un ambiente muy devoto y estricto.
La primera música que escuchó fueron los salmos cantados del movimiento fundamentalista cristiano "Laestadian", con muchos seguidores entre los Sami. Los colonizadores trajeron la cristiandad y dijeron a los Sami que tenían que olvidar su religión primitiva, pero entre los Sami la música es parte de su religión.

"Mucha gente de la generación de mis padres no aceptan la música , dicen que es música diabólica que cantas cuando estas borracho, pero fueron los colonizadores quienes trajeron el alcohol".

Mari abandono  la docencia para dedicarse de forma plena a la música.Había crecido sintiendo vergüenza de sus raíces; es este sentimiento de inferioridad el que más tarde superaría y denunciaría con su música.

La música de Mari Boine es sin duda escandinava a pesar de que incorpora instrumentos de otras tradiciones musicales como es el charango peruano,la flauta india y el violín árabe; pero conserva los elementos centrales de la música Sami.
En la actualidad la mayoría del pueblo Sami considera a Mari Boine una de sus más grandes embajadoras.Se puede decir que representa a los Sami y a los Noruegos en todo el mundo por igual.